Por Luciano Correia (*)

O diretor Jafar Panahi já esteve preso e usa referências de sua história pessoal para tecer a trama, na qual dá voz a perseguidos pela repressão do regime. Uma produção artística pode cumprir uma função de denúncia social. Não é esse, portanto, o problema. Mas como discurso político, existem muitos pesos e medidas a considerar, começando por ser o Irã um país submetido a um boicote brutal durante 50 anos, com sanções que estrangulam a vida, a esperança e a paciência de todos.

O Irã, então, não é uma democracia? Mas o filme foi realizado no país, com atores, técnicos e equipamentos iranianos. O diretor disse que usou estratégias de disfarce para conseguir filmar. Mas conseguiu. Fez as filmagens, concluiu e distribuiu para o mundo. E os Estados Unidos, com sua nova polícia fascista criada exclusivamente para prender e torturar imigrantes, o ICE? Que matou à queima roupa, indefesos, dois cidadãos americanos inocentes? E o que dizer de Israel, que censurou totalmente o noticiário da guerra no país, para não divulgar baixas nem os grandes estragos, prendendo e atacando jornalistas?

Por essas coisas é que não entendi por que os donos de Hollywood, totalmente afinados com o pensamento de Donald Trump, não fizeram de “Foi Apenas um Acidente” o grande vencedor. Mas foi bom assim. Empoderar ainda mais um filme detrator do Irã numa guerra em que a batalha de versões é crucial, nos livra de mais uma ferramenta ideológica para vitaminar o discurso mentiroso do Império, tão carente de tábuas de salvação num confronto em que ele perde feio justamente pela sucessão de versões mentirosas. Mas o filme é bom, sim: enredo, roteiro, produção, direção, atores etc etc.

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Por Luciano Correia (*)

A recíproca, idem: todo bolsonarista inveterado odiou o filme a priori, sem precisar sequer assisti-lo. Ambos equivocados. O festival de equívocos ocorreu em todos os lados, até que a gente chegue à noite da premiação. No domingo da festa, por exemplo, a Folha de S. Paulo escalou um “crítico” entre muitas aspas para falar sobre a produção pernambucana e, entre tantas coisas a dizer, disse que, por algumas deficiências evidentes, o diretor Kleber Mendonça não deveria ter amigos, mas bajuladores. Inaugurou, pois, novos critérios para analisar um produto cultural.

Mesmo supondo que o filme se revele problemático em alguns aspectos, a Folha também deveria se preocupar muito com o risco evidente da própria obsolescência, afinal, pela qualidade da análise realizada, parece que o jornal, na falta de gente séria e competente, encomendou uma peroração eivada de bobagens ao motorista da casa, ou vá lá, ao estagiário. De Psicologia ou de qualquer outra área, nunca de cinema ou jornalismo. A resposta “nordestina” foi pior: toda crítica, por menor que fosse, era obra do puro preconceito sul-sudestino contra Pernambuco e a região Nordeste.

Li uma matéria que invocava o clássico Amarcord, de Fellini, cheio de memórias pessoais do diretor na Itália fascista de Mussolini, justificando as referências de Kleber Mendonça Filho com sua Recife dos anos 70. A isso devemos prestar atenção. Talvez aí esteja uma saída honrosa para um roteiro desamarrado de uma história que se arrasta por 2 horas e 40 minutos, quando tudo poderia ser dito numa duração de 100 a 120 minutos. Não deixei de pensar em Bacurau, outra paixão nacional adotada pela mesma lógica do FlaFlu. Talvez eu seja um dos poucos brasileiros que não gostou desse outro grande sucesso de Mendonça.

Cheguei a rever Bacurau em DVD, pausando e anotando ponto por ponto, algo como umas três dezenas de observações para arriscar uma resenha. Os deveres da vida me chamaram para coisas mais urgentes e abandonei a ideia pelo caminho, mas insisto que Bacurau, com aquelas imagens e paisagens incríveis, com um roteiro que indicava uma trama forte e de muito suspense, perdeu-se na finalização. Talvez o “problema” de Bacurau, com perdão da vaidade do diretor, fosse de montagem e edição. Quem sabe se um belo mergulho no copião do filme, rasgando o roteiro original e tecendo outras narrativas possíveis, não resultasse na grandeza cinematográfica que imaginei nos primeiros minutos quando fui vê-lo no cinema?

Com O Agente Secreto se passou o mesmo. Uma história que poderia prometer tanta coisa, mas, no fim, não chega a lugar nenhum. E já que falamos em vaidade, é difícil crer que Wagner Moura, vendo o filme depois e, particularmente, sua atuação, inflasse o ego ao ponto de sair pelo mundo almejando os maiores prêmios. E se alguns desses louros vieram, aí não temos exatamente uma boa notícia, mas a confirmação tragicômica do nível do cinema produzido atualmente, inclusive na Europa. A análise fílmica é, evidentemente, muito mais pretensiosa do que essas ligeiras e mal traçadas linhas, portanto muitos aspectos devem ser levantados, com referências estéticas, da história do cinema e das várias linguagens, tanto as praticadas quanto as possíveis, afinal esse é o papel da arte. Aqui, cedo à tentação de descer a detalhes quase prosaicos, coisas que talvez não constassem na resenha de grandes críticos, até mesmo do Gustavinho da Folha, como o longo plano sequência do matador de aluguel Bob caminhando pelo centro do Recife com a camisa estufada por um 38 tamanho família, em alguns momentos, inclusive, sacando a arma no meio da multidão.

Ou ainda os diálogos na casa de Sebastiana, com brincadeiras sobre nomes reais e fictícios, uma roda de conversa sem contexto, solta, como, aliás, tudo parece solto para dar um fechamento da história. E os saltos de época, do ano de 1977 para os dias atuais, com aquelas duas meninas ouvindo gravações e comentando obviedades? Terá sido este o “truque” de Mendonça Filho para mostrar já na fase adulta o filho do perseguido Armando/Marcelo, Fernando, vivido na contemporaneidade pelo próprio Wagner Moura? Hummmm. A impressão é que se gasta pólvora à toa, razão pela qual o longa se esparrama para quase três horas.

Sem esse esmero para entregar ao público um trabalho que passou por sucessivos polimentos, lapidado, a história se esvai, não cria liga com o público, e escorrega para a banalidade pura e simples. Mendonça, antes de ser o bem sucedido diretor que é, dos mais consagrados do cinema brasileiro atual, é um cinéfilo apaixonado, cheio de referências, como as que traz do começo ao fim de O Agente Secreto, mas elas precisam ser melhor inseridas, para que não resultem em bobagens como a tal lenda da perna cabeluda, caída de paraquedas, meio forçada, numa história que seria (seria?) sobre um caso de repressão e assassinato do período da ditadura. Não bastasse a lenda, ele coloca uma perna doida saltando nas calçadas e distribuindo sopapos a torto e a granel. Parecia as blagues do antigo Pânico na TV, o festival semanal de baixarias da TV brasileira.

Cinéfilo com vasta cultura cinematográfica, Kleber nem precisava buscar Fellini, Tarantino, Scorcese ou Coppola. O Brasil mesmo já foi bom nisso. Bastava rever O Pagador de Promessas, de Anselmo Duarte, Palma de Ouro em Cannes em 1962. E pra não dizer que isso soa nostálgico, como a dizer que não se fazem mais filmes como antigamente, veja o magistral Que Horas Ela Volta?, de Anna Muylaert, um roteiro denso, bem construído, todo amarrado numa história envolvente, seguramente uma das produções mais políticas dos últimos anos no cinema nacional. Batemos na trave do Oscar porque Kleber vem batendo sempre na trave com seus trabalhos mais recentes. Mas um dia ele faz o gol. Sério.

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Prof. Dr. Claudefranklin Monteiro Santos (*)

Uma das primeiras cenas do filme, por si só, já chama a atenção quando Dryden (Claude Rains), um diplomata britânico do Escritório Árabe assim se expressa após um longo debate com relação a procedimentos militares na Arábia Saudita, durante o contexto da Primeira Guerra Mundial (1914-1918): “As coisas grandes têm pequenos inícios”. Disse-o dirigindo-se a Edmund Allenby (Jack Hawkins), sobre enviar ou não o Tenente Lawrence para missão no deserto.

Interpretado por Peter O’Toole (1932-2013), o Tenente T.E. Lawrence é um oficial britânico excêntrico, erudito e culto.  Apesar da brilhante interpretação, O’Toole não levou o prêmio Oscar de Melhor Ator no referido filme. Lawrence é designado a se infiltrar nas tribos árabes daquele conflito bélico, ganhando a confiança dos povos ali presentes, inclusive de seus líderes. Inicialmente do sherif Ali ibn el Kharish (Omar Sharif, famoso por seu papel em Dr. Jivago, 1966); seguido por um líder beduíno da tribo Howeitat, Auda abu Tayi (Anthony Quinn, ator mexicano, naturalizado norte-americano, conhecido por ter feito filmes de Faroeste); e o Príncipe Faiçal (interpretado por Alec Guinness), líder da Revolta Árabe contra o Império Otomano durante a Primeira Guerra Mundial.

Sobre este último, destaque para um dos ricos diálogos que ele estabelece no filme com o Tenente Lawrence, notadamente o primeiro em que ele afirma com tom descrente e melancólico: “Meu pai declarou guerra à Turquia. Não os ingleses. Meu pai está velho. E eu anseio pelos jardins desaparecidos de Córdoba. Mas, a guerra vem antes dos jardins”. Aqui, chamo a atenção para os que julgam até hoje alguns povos do Oriente Médio como atrasados, sanguinários e toda uma “sorte” de preconceitos típicos do mundo ocidental e, de modo particular, de boa parte dos norte-americanos.

Vale salientar que o Oriente Médio, hoje — onde podemos localizar países como Arábia Saudita, Irã, Iraque, Turquia, Emirados Árabes Unidos, Catar, Israel, Jordânia, Líbano, Síria, Kuwait, Omã, Bahrein, Iêmen, além do Egito —, é uma região onde surgiu o chamado mundo civilizado, por volta de 3500 a.C, quando existiram povos como sumérios, acádios, babilônios, assírios, caldeus, fenícios, hebreus e persas. Estes últimos, atual território do Irã, atacado sem dó e sem piedade pelo imperialismo norte-americano e seus parceiros, a exemplo do atual Estado de Israel.

Tudo isso para dizer, inicialmente, que há uma certa subestimação em relação à capacidade intelectual, religiosa e cultural de boa parte dos atuais países do chamado Oriente Médio, mais de perto, do Irã, assim chamado a partir do dia 21 de março de 1935, sob o comando de Reza Shah Pahlavi (1878-1944). Você pode até discordar do tipo de regime que é imposto a este país pelos Aiatolás, desde 1979, do tipo teocrático; e até mesmo de um eventual desejo deste país vir a produzir bomba nuclear para atacar o seu principal rival, Israel, e até mesmo o “grande satã”, como se referem aos EUA. Mas, usar tais argumentos para acabar com seu povo (incluindo crianças) e suas estruturas é algo que vai além do limite da tolerância entre os povos.

Para tanto, o filme Lawrence da Arábia se torna, por meio de seu protagonista, Tenente Lawrence, uma grande referência de como é possível vencer a intolerância belicosa: primeiro, com diplomacia, diálogo franco e aberto (de preferência em nível da civilidade que respeite diferenças culturais e religiosas); e, se necessário, com tática militar eficiente, que garanta, se é que isso seja possível, o direito à defesa das nações e ao menor número de baixas fatais humanas.

Em tempos de brucutus à frente de nações importantes, Lawrence da Arábia é um convite a inúmeras reflexões sobre o passado, o presente e o futuro do Oriente Médio. Um futuro incerto e nebuloso para toda a humanidade, se o presente não der conta de responder às suas demandas, com civilidade, desejo de paz e respeito aos direitos humanos e à dignidade humana no que ela tem de mais preciosa: que é o direito à vida.

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O Brasil entrou com força na disputa do Oscar 2026. O Agente Secreto foi indicado simultaneamente a Melhor Filme, Melhor Filme Internacional e Melhor Direção Elenco (nova categoria), enquanto Wagner Moura recebeu indicação a Melhor Ator por sua atuação no longa.

Com as quatro indicações, O Agente Secreto chega ao mesmo número recorde de indicações do filme Cidade de Deus, em 2004.

Em outra frente, o país também aparece entre os destaques técnicos: Adolpho Veloso concorre a Melhor Fotografia por Sonhos de Trem.

A lista foi anunciada nesta quinta-feira, (22) pela Academy of Motion Picture Arts and Sciences, marcando o início da etapa decisiva da 98ª edição do prêmio e confirmando um momento histórico para o cinema brasileiro.

>>Confira a lista completa dos indicados ao Oscar 2026

Votação

A primeira fase de votação foi encerrada na sexta-feira (16). Mais de 10 mil profissionais da indústria cinematográfica — entre atores, diretores, roteiristas e técnicos — participaram do processo, votando majoritariamente dentro de suas áreas, com exceção de Melhor Filme, que reúne o voto de todo o colégio eleitoral.

A cerimônia do Oscar 2026 acontece em 15 de março, e o anúncio desta quinta-feira já provoca clima de celebração no setor audiovisual brasileiro.

Brasil no Oscar 2026

Melhor Filme

O Agente Secreto disputa com:

Bugonia
F1
Frankenstein
Hamnet
Marty Supreme
Pecadores (Sinners) — Lidera as indicações com 16 nomeações no total
Sonhos de Trem (Train Dreams)
Uma Batalha Após a Outra (One Battle After Another)
Valor Sentimental (Sentimental Value)

Melhor Filme Internacional

Apontado como favorito, O Agente Secreto concorre com:

Valor Sentimental (Noruega)
Foi Apenas um Acidente (França)
Sirât (Espanha)
A Voz de Hind Rajab (Tunísia)

Melhor Direção de Elenco

O Agente Secreto disputa com:

Hamnet
Marty Supreme
Uma batalha após a outra
Pecadores

Melhor Ator

Wagner Moura é candidato à estatueta ao lado de:

Timothée Chalamet (Marty Supreme)
Leonardo DiCaprio (Uma Batalha Após a Outra)
Michael B. Jordan (Pecadores)
Ethan Hawke (Blue)

A indicação vem após Moura ter vencido o Globo de Ouro de melhor ator em drama, consolidando a performance como uma das mais comentadas da temporada.

Melhor Fotografia

Com Adolpho Veloso, Sonhos de Trem enfrenta:

Uma Batalha Após a Outra
Pecadores
Frankenstein
Marty Supreme

Fonte: Agência Brasil

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Prof. Dr. Claudefranklin Monteiro Santos (*)

“Mais forte que a vingança” me levou a ver, também, “Butch Cassidy” e aí pude atestar o que poderia ser uma primeira impressão. Ao lado de Paul Newman, ele faz uma das maiores interpretações de toda a sua carreira. Baseado na história real do criminoso mais popular dos EUA, o filme é um primor, tendo sido premiado com o Oscar de melhor trilha sonora.

O que posso dizer é que desconheço um só filme, pelo menos os que vi até então, em que Robert Redford tenha sido mais ou menos. Em todos os papéis, ele se entregou com maestria e não somente os que envolvem ação, mas também, e nesse particular, com destaque, nos de temática romântica ou dramática, dos quais, destaco: “Nosso amor de ontem” (1973), “O grande Gatsby” (1974), “Entre dois amores” (1985), “Nada é para sempre” (1992), “Proposta indecente” (1993), “Íntimo e pessoal” (1996)”, “Lendas da vida” (2000), “Refém de uma vida” (2004) e “Um lugar para recomeçar” (2005). Sem falar em “Nossas noites” (2017), com seus 81 anos de idade, onde interpreta um viúvo, ao lado de nada mais nada menos que Jane Fonda. Dessa seara, uma outra curiosidade, também relembrada nos últimos dias, quando ele contracenou com Meryl Streep no filme “Entre dois amores”. Segundo ela, foi o melhor beijo que já recebeu em toda a sua carreira no cinema.

Além do Robert Redford aventureiro, dramático e romântico, vale também ressaltar outras participações dele em filmes que, em tese, não fariam jus aos perfis que o tornaram famoso, como em filmes infantis – “A menina e o porquinho” (2006) e “Meu amigo o dragão” (2016), ou ainda em “Os quatro picaretas” (1972), “Quiz show – a verdade dos bastidores” (1994), entre outros; ou mesmo nos chamados filmes de super-heróis, tais como “Capitão América 2” (2014) e “Vingadores Ultimato” (2019), em ambos, interpretando o vilão Alexander Pierce.

Como se diz no popular, “beleza não põe a mesa”, e de fato isso não valeu para Robert Redford, que além de bonito, como já disse, foi extremamente elegante, seja no trato com as pessoas e também nos personagens que pediam isso dele, mas, sobretudo, firmando-se na história do cinema internacional por seu talento incontestável. Méritos estes que lhe garante, de há muitos anos, um lugar entre os maiores atores, produtores e diretores de todos os tempos.

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Por Diego da Costa (*)

Vivemos em uma era na qual a informação circula em alta velocidade, e a maneira como nos comunicamos determina nosso espaço no mundo. O cinema, assim como a política, os negócios e a educação, exige clareza, propósito e conexão com o público. “Ainda Estou Aqui” conseguiu tocar corações ao redor do mundo porque soube transmitir sua mensagem com precisão, emoção e impacto.

O valor do reconhecimento internacional

A vitória no Oscar não é apenas um troféu na estante; ela coloca o Brasil em uma nova posição no cenário cultural e econômico. Quando um país consegue projetar sua identidade de forma clara e poderosa, ele ganha visibilidade, atrai investimentos e inspira novas gerações a produzirem mais e melhor.

Esse reconhecimento não acontece por acaso. Ele é fruto de um trabalho consistente de artistas, roteiristas, diretores, escritores e produtores que entenderam a importância de comunicar bem, de estruturar narrativas cativantes e de apresentar ao mundo um conteúdo que vai além das barreiras geográficas.

Cultura e Comunicação: Um caminho para o desenvolvimento

Um país que se comunica bem é um país que avança. O cinema brasileiro já provou seu potencial inúmeras vezes, mas a vitória no Oscar reforça a necessidade de investir em projetos bem estruturados, que combinem talento com estratégia de comunicação eficiente. Isso não se aplica apenas ao audiovisual, mas a todas as áreas:

• Empresas que sabem comunicar seus valores conquistam mercados internacionais.
• Líderes que se expressam com clareza mobilizam pessoas e transformam realidades.
• Profissionais que dominam a comunicação assertiva constroem carreiras de impacto.

No mundo dos negócios, na política ou na arte, o sucesso está diretamente ligado à capacidade de transmitir uma mensagem de forma clara, envolvente e estratégica. O Brasil venceu o Oscar porque soube contar uma história que tocou o público global. E essa mesma lógica pode ser aplicada para que o país se fortaleça em outros setores.

O Brasil pode e deve Comunicar Melhor

O Oscar foi apenas um exemplo do que o Brasil pode conquistar quando alia talento à comunicação eficaz. O desafio agora é levar essa mentalidade para outras áreas e garantir que nossas ideias, nossos projetos e nossas soluções cheguem ao mundo com o mesmo impacto que um filme premiado.

Se queremos um Brasil mais forte, precisamos aprender com essa vitória: comunicar bem não é um detalhe, é um diferencial competitivo. Seja no cinema, nos negócios ou na política, quem domina a comunicação assertiva conquista espaços, mobiliza pessoas e transforma realidades.

E você? Como pode aplicar esse aprendizado na sua vida e na sua carreira?

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O cinema brasileiro fez história na noite de hoje (3) na 97ª edição do Oscar, em Los Angeles, nos Estados Unidos. Ainda Estou Aqui, de Walter Salles, foi o grande vencedor na categoria de melhor filme internacional. Uma conquista inédita para o cinema brasileiro. 

O filme brasileiro superou Emilia Pérez (França), A Semente do Fruto Sagrado (Alemanha), A Garota da Agulha (Dinamarca) e Flow (Letônia).

Walter Salles dedicou a conquista para Eunice Paiva, esposa do ex-deputado Rubens Paiva desaparecido na ditadura, cuja busca em saber o destino do marido norteou o roteiro do filme. Em seu discurso de agradecimento, o cineasta brasileiro também ressaltou os trabalhos de Fernanda Torres, e sua mãe, Fernanda Montenegro.

Indicado também para a estatueta de melhor filme, Ainda Estou Aqui perdeu para Anora, maior vencedor da festa com cinco estatuetas no total.

Fernanda Torres, indicada ao prêmio de melhor atriz, não levou a estatueta, que acabou nas mãos de Mikey Madison, de Anora. Mesmo assim Fernanda Torres entra na história do cinema repetindo sua mãe, Fernanda Montenegro, que foi indicada na edição de 1999 do Oscar como melhor atriz, mas a laureada foi a estadunidense Gwyneth Paltrow.

Clima de Copa do Mundo

A coincidência das datas da maior premiação do cinema com o carnaval brasileiro acabou em clima de torcida da Copa do Mundo. Máscaras de Fernanda Torres e de Selton Mello (intérprete de Rubens Paiva), fantasias da estatueta dourada do prêmio, boneco gigante de Olinda, entre outras referências ao Oscar, estiveram presentes em desfiles e blocos carnavalescos pelo país inteiro.

Com suas indicações, o filme de Walter Salles sobre o desaparecimento do deputado Rubens Paiva (1929-1971) e a saga de sua esposa Eunice Paiva (1929-2018) já chegou vitorioso à festa da indústria cinematográfica.

Especialistas consultados pela Agência Brasil disseram que, entre as qualidades do filme, estão a capacidade de abordar o passado de uma forma diferente e a maneira como a obra conseguiu dialogar com os tempos atuais.

O livro autobiográfico que nomeia o filme, de autoria de Marcelo Rubens Paiva, filho de Rubens e Eunice,  foi para o topo das listas dos mais vendidos. O próprio caso Rubens Paiva ganhou novos desdobramentos recentemente. Por determinação da Justiça, em janeiro deste ano a certidão de óbito do ex-deputado foi corrigida. Na versão original do documento, ele foi tido como “desaparecido político”. Na nova redação, consta agora que sua morte foi violenta, causada pelo Estado brasileiro.

Além disso, o Supremo Tribunal Federal (STF) decidiu analisar se a Lei da Anistia, adotada com o fim do regime de exceção, se aplica ou não a crimes de sequestro e cárcere privado cometidos na época da ditadura militar brasileira.

Fonte: Agência Brasil

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Por  Claudefranklin Monteiro Santos (*)

Embalado por grandes sucessos da Música Popular Brasileira, o filme “Ainda Estou aqui” (2024), de Walter Sales, é, sem sombras de dúvidas, um dos maiores do cinema nacional de todos os tempos. Se não alcançar os loiros do Oscar (a meu ver, mais do que merecedor), para além dos recordes de crítica e de bilheteria, ficará imortalizado na memória, geração após geração, deixando um legado importante e reflexões que, certamente, farão diferença na formação da consciência de uma juventude ainda ávida por transformações, liberdade e respeito.

Afinal, “É preciso [SEMPRE] dar um jeito, meu amigo” (Erasmo e Roberto, 1971), canção-tema do filme. Ainda há fumaça de satanás fungando em nosso cangote: aqui, ali e acolá. “Ainda estou aqui” nos lembra isso: que os fantasmas da ditadura militar (1964-1985) não foram devidamente despachados para o inferno. Generais, capitães e soldados (civis, também) ainda sonham com o poder, subvertendo a democracia, pervertendo-a com um nacionalismo caduco, enodoando a verdade com relativismos de uma retórica rasa e com uma massa encefálica doente e burra.

“Ainda estou aqui” é um filme adaptado do romance autobiográfico e histórico, homônimo, de autoria de Marcelo Rubens Paiva, lançado pela editora Alfaguara, em 2015. Estrelam a película um trio de atores extraordinários: Fernanda Torres (Eunice mais jovem), Fernanda Montenegro (Eunice idosa) e Selton Mello (Rubens Paiva). Ambientado entre o Rio de Janeiro e São Paulo no final dos anos 1970 e início de 1971, conta a história da família do ex-deputado e engenheiro civil, Rubens Beyrodt Paiva, às voltas com sua prisão pelos agentes da ditadura e seu “misterioso” desaparecimento, anos depois, confirmado na forma de tortura e assassinato. O filme retrata ainda dois outros tempos: 1996, quando Rubens teve sua certidão de óbito concedida pela justiça; e, 2014, quando do ocaso da advogada Maria Lucrécia Eunice Facciolla Paiva (1929), falecida em 2018, em decorrência das complicações do Alzheimer, que a maltratou por quinze anos.

O filme, por fim, nos ajuda a pensar e a repensar essa questão da anistia no país. Se por um lado a Lei de Anistia de 1979 concedeu o perdão político para figuras como Gabeira, Henfil e Miguel Arraes, permitindo que eles, uma vez exilados, retornassem ao Brasil, tendo se apresentado como “ampla, geral e irrestrita”, também passou panos quentes em torturadores e agentes do regime que ficaram impunes. Nesse sentido, muito significativa foi a fala do ministro Flávio Dino desta semana, no sentido de propor que a Lei da Anistia não valha para casos que tenha havido a ocultação de cadáver, “desaparecidos” para a ditadura militar:

“Manifesto-me no sentido de reconhecer o caráter constitucional e a repercussão geral do seguinte tema: possibilidade, ou não, de reconhecimento de anistia a crime de ocultação de cadáver (crime permanente), cujo início da execução ocorreu antes da vigência da Lei da Anistia, mas continuou de modo ininterrupto a ser executado após a sua vigência, à luz da Emenda Constitucional 26/85 e da Lei nº. 6.683/79”.

O fato é que a impunidade não pode mais reinar nos livros, nos tribunais e na História do Brasil. Quem tem com o quê pagar, que não morra devendo! Afora o direito à presunção de inocência, também o peso da lei e da justiça. As lições de um tempo não se apagam e as feridas não fecham. Aos que ainda morrem de saudades dos tempos de chumbo (zumbis de um lixo chamado ditadura militar), meu mais veemente protesto e indignação. Qualquer tipo de regime autoritário, sobretudo o impingido pela ditadura militar, é um veneno para a alma brasileira e um desserviço para a história da humanidade.

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Prof. Dr. Claudefranklin Monteiro Santos (*)

Natural do Brooklyn, Nova Iorque (EUA), aos 13 de maio de 1939, descendente de família polonesa judaica, Harvey Keitel está com 89 anos em plena forma. Teve uma infância formada por muita turbulência social, o que o fez ser alistado nas Forças Armadas Norte-Americanas na juventude, lutando numa guerra no Líbano, como fuzileiro naval.

Cumprindo seu “dever” com a pátria, retorna aos EUA para se dedicar ao cinema, iniciando nos anos 60 com filmes sem muita expressão, normalmente na condição de coadjuvante, até ter destaque no filme “Taxi Driver” (1976). Em “Cães de Aluguel” (1992), maduro, com 53 anos, sua carreira se consolidou em definitivo, sendo escalado, normalmente para filmes de ação e até mesmo algumas comédias, como no hilário “Little Nicky, Um Diabo Diferente” (2000), com Adam Sandler.

Versátil e talentoso, Harvey Keitel voltou a protagonizar um filme em 2021, com “Lansky, a História da Máfia”, dirigido por Eytan Rockaway. Com 82 anos, ele vive o papel de um dos maiores contraventores norte-americanos, Meyer Lansky. Um descendente de judeu, nascido no Império Russo no dia 4 de julho de 1902, que migrou para os Estados Unidos em 1911, se instalando na cidade de Nova Iorque, criando um dos mais rentáveis “negócios” de jogo de azar e outras contravenções.

Controverso e carismático, ao lado do parceiro de muitos anos, o mafioso temperamental, violento e assassino Charles Lucky, Lansky ascendeu vertiginosamente, expandindo seu “talento” para Cuba, no tempo de Fulgêncio Batista, quando a ilha se transformou num dos lugares mais concorridos para a prática de jogos, com hotéis de luxo e apostas altíssimas, movimentando a economia do lugar como nunca. Tudo “legalizado” pelo governo.

Foi um dos grandes responsáveis pelo que é hoje a cidade de Las Vegas e, mesmo às voltas com conivência do governo norte-americano com seus crimes fiscais e com a contravenção, Lansky sempre esteve às voltas com as forças policiais, mesmo sabendo que boa parte dela era corrupta.

“Lansky, a História da Máfia” explora exatamente isso, sobretudo a história (nunca comprovada) de que o mafioso guardou por anos uma fortuna em torno de 300 milhões de dólares, presumidamente, escondidos em contas fantasmas, sabe Deus onde. Para tanto, entra em cena o escritor David Stone, brilhantemente interpretado por Sam Worthington. Escalado para escrever uma biografia de Lansky, este se afeiçoa a Stone, abrindo seu coração e contando detalhes de sua trajetória como gangster e também dos seus dramas pessoais (expulso de casa pelo pai) e familiares (com a esposa esquizofrênica e o filho mais velho com uma doença incurável, degenerativa, e que casou dolorosos problema de locomoção e limitações diversas).

Aliás, o filme deixa a entender que o destino de sua fortuna ilegal e cobiçada pelas autoridades norte-americanas dos anos 80, teria sido utilizada para o tratamento do filho, complexo e muito caro, garantindo-se, se não uma vida, pelo menos o menor desconforto possível, daí essa pegada humanista que se é atribuída ao velho bandido, de coração partido pela dele, o drama da mulher e a não aceitação do Estado de Israel, de Golda Meir, Primeira Ministra entre 1969 e 1974, como repatriado judeu.

Lansky morreu vítima de câncer de pulmão, em 1983. Entre as grandes lições que aprendeu na longa vida (81 anos), uma serve para qualquer pessoa e tempo e só isso já valeu a sua existência, mesmo com todos seus crimes, defeitos e pecados: “quando se perde dinheiro, você não perde nada; quando se perde a saúde, perde um pouco; quando você perde seu caráter, você perde tudo”.

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