Prof. Dr. Claudefranklin Monteiro Santos (*)

 “Os velhos cuidam dos novos e os novos cuidam dos velhos”. É sobre a importância do cuidado que a nova franquia do Star Wars está inserida. Lançada em 1977 por Steven Spielberg, ao longo de quase cinco décadas chega ao seu décimo segundo filme: O Mandaloriano e Grogu. A crítica não gostou, mas a exemplo do que aconteceu com a cinebiografia de Michael Jackson, o público está amando e os fãs da saga mais ainda, dentre os quais eu me incluo. Em linhas gerais, como se diz no popular o filme é “um fofo”. Aliás, se houve excesso nele foi exatamente o de fofura.

Meu primeiro contato com a saga foi ainda no final dos anos 70, quando eu mal tinha seis anos de idade. Minha geração não teve o acesso à informação como temos hoje. Assim, a melhor maneira de saber das novidades da indústria cinematográfica que aportavam no Brasil era exatamente a sala de cinema, o espaço propriamente dito. Em Lagarto, por aquela época, uma das grandes diversões era o Cine Glória, do saudoso Édson Dória, também conhecido por Edinho do Cinema. Lembro com nitidez o impacto que deixou em minha memória o cartaz de O Retorno de Jedi, para mim um dos mais lindos de toda a série.

Muito pequenino, acho que o primeiro que assisti foi O Império Contra-Ataca. Eu era amigo de infância do dono do cinema, Édson Júnior, e, em razão disso vi a vários filmes de graça, pois o local era vizinho à sua casa, separado apenas por uma porta estreita. A sessão na tela foi algo que me marcou profundamente, pois a trilha sonora de Star Wars (composta pelo maestro John Williams e executada pela London Symphony Orchestra), bem como a sua abertura, estão entre as melhores de todos os tempos.

No que diz respeito a O Mandaloriano e Grogu, compartilho da opinião do perfil de Instagram, Multiverso Comics, que disse em publicação recente: “(…) se mostrou um excelente filme para introduzir alguém a Star Wars”. É bem verdade que neste volume não aparece o mega vilão Darth Vader, mas quem, novamente, rouba a cena é o “bebê Yoda”, assim chamado por ele fazer parte da mesma espécie do mestre jedi Yoda, mentor de Luke Skywalker (Mark Hamill). Grogu é o companheiro inseparável do caçador de recompensas mandaloriano, Din Djarin, brilhantemente interpretado por Pedro Pascal.

O filme foi possível graças ao sucesso da série de três temporadas: The Mandalorian (2019), criada por Jon Favreau, um ator, diretor, comediante e argumentista norte-americano. A história se passa entre os filmes O Retorno de Jedi e O Despertar da Força, portanto após a queda do Império e antes da criação da temida Primeira Ordem. Além de Pedro Pascal, conta com as participações de grandes estrelas do cinema universal, a exemplo de Sigourney Weaver (no papel da comandante dos rebeldes, Ward) e de Martin Scorsese, que fez a voz do alienígena Hugo, um cozinheiro símio, de quatro braços, da espécie Ardenniano.

Além dos incríveis efeitos visuais, das cenas de ação, notadamente as de luta, o filme O Mandaloriano e Grogu, tal qual a cinebiografia de Michael Jackson, é para quem é de fato fã. E, nesse sentido, não importa se ele vai “salvar a franquia” (como se ela estivesse em perigo) ou que não seja uma das melhores do todo. Importa que é Star Wars e cumpre, com dignidade e maestria, o papel de fazer as pessoas de qualquer idade se emocionar e sonhar. E, como disse, sair do cinema com a certeza de que o que vale mesmo nesta vida é cuidar de quem amamos.

O post Há muito tempo em uma galáxia não muito distante apareceu primeiro em Só Sergipe.

Prof. Dr. Claudefranklin Monteiro Santos (*)

A noite do dia 12 de janeiro de 2026 foi um marco para o nosso cinema, com três indicações (incluindo de melhor filme, com “O Agente Secreto”) e dois reconhecimentos inéditos numa mesma edição. Mas, para além dos sonhos dourados, o que mereceu destaque mesmo foram algumas das falas e pronunciamentos do diretor Kleber Mendonça Filho e do ator Wagner Moura, notadamente todas elas em torno da importância de se dar valor ao cinema brasileiro, e principalmente sobre a questão da memória e a História do Brasil.

Aqui, dou especial atenção a um trecho do discurso de agradecimento de Wagner Moura, quando assim se expressou:

“É um filme sobre memória, a falta dela é um trauma geracional. Eu acho que se um trauma pode ser passado por gerações, os valores também podem. Esse prêmio vai para quem está seguindo seus valores em momentos difíceis.“

Para além de historiador e professor de História por mais de três décadas, venho, pelo menos nos últimos dez, trabalhando sobre o conceito de memória e sua relação com a questão da identidade e do patrimônio cultural. A contundente afirmação de Wagner Moura me remeteu à discussão sobre memória traumática. Mas, antes, penso que se faz necessário evocar dois dos grandes nomes nessa questão envolvendo história e memória.

O primeiro deles é Jacques Le Goff (1924-2014), autor da célebre assertiva que diz:

“Tornar-se senhor da memória e do esquecimento é uma das grandes preocupações das classes, dos grupos, dos indivíduos que dominaram e dominam as sociedades históricas. Os esquecimentos e os silêncios da história são reveladores desses mecanismos de manipulação da memória” (1984, p. 13).

O segundo é Maurice Halbwachs (1877-1945), sobretudo quando este certa feita assim se expressou:

“Nossas lembranças permanecem coletivas, […] mesmo que se trate de acontecimentos nos quais só nós estivemos envolvidos, e com objetos que só nós vimos. É porque, em realidade, nunca estamos sós. Não é necessário que outros homens estejam lá, que se distingam materialmente de nós: porque temos sempre conosco e em nós uma quantidade de pessoas que não se confundem” (2006, p. 26).

Ora, ambos nos ajudam não somente a compreendermos o cerne da fala de Moura, como também o contexto histórico que inspirou o filme “O Agente Secreto”, que, a exemplo de “Ainda estou aqui”, referem-se a um dos momentos mais dolorosos da vida política brasileira que foi o regime militar (1964-1985).

Talvez por isso, os filmes e seus autores tenham recebido do público de nosso tempo e de outros países o reconhecimento que merecem. Ambos mexem em feridas que uma minoria reacionária gostaria que fosse esquecida, que não tivesse memória. Ou pior, que subvertesse a verdade dos fatos, transformando vítimas em algozes e torturadores em heróis nacionais.

Além disso e, de modo especial, “O Agente Secreto” retrata a cidade de Recife do ano de 1977, com um enredo profundamente dramático em torno de um personagem que é professor universitário viúvo, às voltas de lançar luzes sobre seu passado, notadamente de sua mãe, e ter de educar o filho menor de idade sob a sombra da perseguição estatal que lhe custou a própria vida, algo muito comum e corriqueiro naquele final dos anos 70 em todo o país.

Para além do realismo fantástico, com a exploração da lenda da perna cabeluda, típica do povo pernambucano, “O Agente Secreto” é um recado, como tem sido as falas de Wagner Moura e também de Kleber Mendonça para o nosso tempo. É um diálogo entre gerações que viveram contextos diferentes, mas ainda muito vivos e perigosos como a iminência, sobretudo se a democracia não resistir, de um retorno ao passado no que ele teve de pior.

Por isso mesmo, celebremos o cinema nacional e façamos deste momento mais uma oportunidade de revisitarmos o passado histórico do Brasil. Não para “passar pano” naquilo que nos traumatizou, mas para “passar a limpo” o que ainda não foi devidamente revolvido, justiçado e extirpado de nossas vidas e trajetórias, tenham sido as de nossos pais e avós, tenham sido as nossas e as dos que virão, considerando que, no âmbito da memória coletiva, somos um todo, como nos ensinam Le Goff e Halbwachs.

____________________

Referências

HALBWACHS, M. A memória coletiva. São Paulo: Centauro, 2006.

LE GOFF, Jacques (org). Memória-História (Enciclopédia Einaudi). Lisboa: Imprensa Nacional-Casa da Moeda, 1984

O post Wagner Moura — traumas, valores e memória apareceu primeiro em Só Sergipe.

Prof. Dr. Claudefranklin Monteiro Santos (*)

“Mais forte que a vingança” me levou a ver, também, “Butch Cassidy” e aí pude atestar o que poderia ser uma primeira impressão. Ao lado de Paul Newman, ele faz uma das maiores interpretações de toda a sua carreira. Baseado na história real do criminoso mais popular dos EUA, o filme é um primor, tendo sido premiado com o Oscar de melhor trilha sonora.

O que posso dizer é que desconheço um só filme, pelo menos os que vi até então, em que Robert Redford tenha sido mais ou menos. Em todos os papéis, ele se entregou com maestria e não somente os que envolvem ação, mas também, e nesse particular, com destaque, nos de temática romântica ou dramática, dos quais, destaco: “Nosso amor de ontem” (1973), “O grande Gatsby” (1974), “Entre dois amores” (1985), “Nada é para sempre” (1992), “Proposta indecente” (1993), “Íntimo e pessoal” (1996)”, “Lendas da vida” (2000), “Refém de uma vida” (2004) e “Um lugar para recomeçar” (2005). Sem falar em “Nossas noites” (2017), com seus 81 anos de idade, onde interpreta um viúvo, ao lado de nada mais nada menos que Jane Fonda. Dessa seara, uma outra curiosidade, também relembrada nos últimos dias, quando ele contracenou com Meryl Streep no filme “Entre dois amores”. Segundo ela, foi o melhor beijo que já recebeu em toda a sua carreira no cinema.

Além do Robert Redford aventureiro, dramático e romântico, vale também ressaltar outras participações dele em filmes que, em tese, não fariam jus aos perfis que o tornaram famoso, como em filmes infantis – “A menina e o porquinho” (2006) e “Meu amigo o dragão” (2016), ou ainda em “Os quatro picaretas” (1972), “Quiz show – a verdade dos bastidores” (1994), entre outros; ou mesmo nos chamados filmes de super-heróis, tais como “Capitão América 2” (2014) e “Vingadores Ultimato” (2019), em ambos, interpretando o vilão Alexander Pierce.

Como se diz no popular, “beleza não põe a mesa”, e de fato isso não valeu para Robert Redford, que além de bonito, como já disse, foi extremamente elegante, seja no trato com as pessoas e também nos personagens que pediam isso dele, mas, sobretudo, firmando-se na história do cinema internacional por seu talento incontestável. Méritos estes que lhe garante, de há muitos anos, um lugar entre os maiores atores, produtores e diretores de todos os tempos.

O post Robert Redford — bonito, elegante e talentoso apareceu primeiro em Só Sergipe.

O cineasta Cacá Diegues – Carlos José Fontes Diegues – morreu nesta sexta-feira (14) aos 84 anos, no Rio de Janeiro. A informação foi confirmada pela Academia Brasileira de Letras (ABL). A morte foi em decorrência de complicações causadas por uma cirurgia.

Um dos precursores do movimento artístico Cinema Novo, Carlos Diegues nasceu em 19 de maio de 1940, em Maceió (AL), e mudou-se para o Rio de Janeiro, com a família, aos seis anos de idade.

Começou no cinema quando ainda estava no Diretório Estudantil da Pontifícia Universidade Católica do Rio (PUC-Rio), onde fundou um cineclube e passou a fazer produções cinematográficas amadoras, junto com colegas como Arnaldo Jabor.

O cineclube foi um dos núcleos de fundação do Cinema Novo, movimento inspirado pelo neorrealismo italiano e pela Nouvelle Vague francesa, e marcado pelas críticas políticas e sociais, principalmente durante a ditadura militar.

Produções

Entre suas produções dentro do movimento, destacam-se Ganga Zumba (1964), A Grande Cidade (1966) e Os Herdeiros (1969). Em 1969, deixou o Brasil e foi morar na Europa, por ter participado da resistência intelectual e política à ditadura. Ao retornar, na década de 70, dirigiu Quando o Carnaval Chegar (1972), Joanna Francesa (1973), Xica da Silva (1976), Chuvas de Verão (1978) e Bye Bye, Brasil (1980).

No período de retomada do cinema brasileiro, lançou Tieta do Agreste (1996), Orfeu (1999) e Deus é Brasileiro (2002). O Grande Circo Místico (2018) foi seu último lançamento como diretor.

Ao longo de sua carreira, conquistou prêmios em inúmeros festivais nacionais e internacionais. Em 2018, foi eleito para a Academia Brasileira de Letras na vaga de Nelson Pereira dos Santos.

“Sua obra equilibrou popularidade e profundidade artística, abordando temas sociais e culturais com sensibilidade. Durante a ditadura militar, viveu no exílio, mantendo-se sempre ativo no debate sobre política, cultura e cinema. A ABL expressa solidariedade à esposa, Renata Almeida Magalhães e aos filhos”, informou a ABL, por meio de nota divulgada em suas rede sociais.

Fonte: Agência Brasil

O post Cineasta Cacá Diegues morre aos 84 anos no Rio apareceu primeiro em Só Sergipe.

O post Orsse apresenta concerto especial em celebração ao Dia das Crianças apareceu primeiro em Só Sergipe.

Por Léo Mittaraquis (*)

Enquanto eu comia as ostras com seu forte sabor do mar e seu gosto metálico que o vinho branco frio lavava, deixando apenas o gosto do mar e a textura suculenta, e enquanto eu bebia o líquido frio de cada concha e o regava com o sabor fresco do vinho, perdi a sensação de vazio e comecei a ficar feliz e a fazer planos.

Ernest Hemingway, Paris é Uma Festa

Minhas madrugadas, transcorridas ao baforar enquanto consumo um bom charuto, um bom fumo para cachimbo, um bom cigarro (este que, no meu caso, em nome da fidelidade, é o Dunhill Carlton Blend Box – Tobacco of London Ltd), indefectível taça de conhaque bem à mão, ouvindo The Sweet Remains cantando “Howling Wolf” (tratando-se de Hemingway, é o que, com certa frequência, gosto de ouvir – todo o álbum, na verdade).

E penso no gesto final, inegociável, intransferível, inadiável, não-retornável, de Hemingway.

Paradoxalmente, ou nem tanto, salto para minha coleção de elepês, cato “Sinfonia n. 2″, “da Ressurreição”, de Mahler. Sempre a ouço como se fosse a primeira vez. Ouço a soprano, Anja Harteros, creio, sua harmonia vocal melodiosa a lamentar: “O homem existe na maior necessidade, o homem existe na maior dor”. Eis, Hemingway, eis a verdade.

Mas, nestes momentos, sou sequestrado pelo jornalista, contista, romancista, cronista, bêbedo, sedutor Hemingway. Leva-me, a segurar com força meu braço, a Paris.

E “Paris é uma Festa”.

Hemingway me olha fundo, nos olhos, hálito de charutos e vinhos baratos, e diz: “entre a necessidade e a dor há a vida. Vivamo-la!!!”

Ao escrever um artiguinho como o presente recorrendo ao fator Hemingway, sei que os mais atentos perceberão que empresto, querendo ou não, algo de valor às pobres sentenças. Pois o escritor é, ainda hoje, uma das figuras literárias mais icônicas, e isso não somente nos Estados Unidos.

Icônica e canônica, com os sedutores traços de bravura, ímpeto e vulnerabilidade.

Homens e mulheres, touros, tavernas, pardieiros, copos e garrafas criados à sua imagem e semelhança.

Hemingway alçou o invejável status de grande mestre no campo literário e jornalístico. E sempre com a bebida presente como um aporte necessário, psicológico e intelectual. Vinho e uísque também foram e são seus personagens.

Jamais afirmarei, no entanto, que Hemingway foi único no que concerne à denominada técnica da focalização externa. Mas foi um cultor daquela ‘par excellence’. Suas descrições, sua intimidade e, ao mesmo tempo, seu distanciamento em relação ao relatado/descrito parece obedecer à estrutura narrativa de um roteiro cinematográfico.

Não admira ser “fácil” para roteiristas profissionais e diretores levarem adiante os filmes baseados na obra deste escritor.

Ernest Hemingway é certamente conhecido por sua relação com o vinho e o álcool em suas diversas possibilidades: qualquer um que tenha se aproximado da leitura de suas obras terá reconhecido nele uma paixão ou talvez algo mais. A vida de Hemingway foi um concentrado de experiências aventureiras nas quais viagens, escrita e vinho se entrelaçam, dando vida a um personagem que marcou a história da literatura mundial.

“Paris é uma festa”, não é, decerto, a representação máxima do talento literário de Ernest Hemingway. Mas é soberba e tocante. E caso se leia “O Sol Também se Levanta” depois da leitura de “Paris é uma Festa”, o primeiro revelar-se-á doloroso, desesperador ao extremo, ainda que Hemingway não tenha adotado o tom de autopiedade para o personagem principal. Nada disso.

Mas ainda estamos em clima de celebração. Paris!

Hemingway mudou-se para Paris com sua primeira esposa, Hadley, em 1921. O jovem casal morava em um apartamento na rue Cardinale Lemoine, no 5º arrondissement de Paris. O apartamento era minúsculo, sem água encanada e um banheiro que consistia em pouco mais do que um balde. Hemingway alugou outro espaço, na rue Descartes, 39, onde ele, isolado, escrevia.

O escritor e sua esposa foram para Paris por motivos, inclusive, profissionais. Hemingway conseguiu um emprego como correspondente estrangeiro para o The Toronto Star, jornal do Canadá. Ao longo da década de 1920, Hemingway cobriu a Guerra Greco-Turca para o Star. Durante este tempo, Hemingway passou a se relacionar com outros escritores e intelectuais, alguns americanos, que escolheram viver no bairro de Montparnasse, incluindo Gertrude Stein, F. Scott Fitzgerald e Ezra Pound.

Vale ressaltar que Hemingway, juntamente com os outros nomes que citei acima,  compartilhavam um estranho sentimento de desilusão diante da modernidade. Este posicionamento estético e espiritual fez com que Gertrude Stein os apelidasse de “A Geração Perdida”.

Publicado postumamente, em 1964, “Paris é uma Festa” continua sendo uma das obras mais lidas de Ernest Hemingway. Na verdade, posso até mesmo afirmar que é uma das mais cultivadas entre seletos grupos de leitores, e estes, em sua maioria, com idade acima dos cinquenta anos.

E, sim, esta coluna, estilo cariátide, este tão antigo e empoeirado quanto o meu, deve tratar de tecer as linhas da trama que reúnem literatura e vinho, afinal, “Se Comes, Tu Bebes”.

Conforme relato do grande biógrafo, crítico e estudioso da literatura americana Scott Donaldson, Hemingway, quando em espera pelo voo em algum aeroporto, começava a beber imediatamente Bourbon. Ao hospedar-se, mantinha dois baldes de gelo para manter os vinhos frios, pois o respectivo consumo poderia se dar a qualquer hora, inclusive de manhã cedo. Durante suas turnês, tinha ele à mão um pequeno cantil de prata, no qual dava longos goles.

O ato de beber e o ato de escrever são duas referências intimamente entrelaçadas em Hemingway.

“Paris é uma Festa”: o início da obra traz o mau tempo. Chove, as ruas ficam alagadas e lamacentas. Havia o “Café des Amateurs”. Segundo o escritor: “Era um café triste e mal dirigido, onde os bêbedos das proximidades se apinhavam, e que eu evitava, devido ao cheiro a corpos sujos e ao azedo da embriaguez. Os homens e as mulheres que frequentavam o ‘Amateurs’ andavam permanentemente embriagados ou, pelo menos, sempre que tinham dinheiro para isso, e a maior parte das vezes faziam-no com vinho que compravam em garrafas de um ou de meio litro”.

O livro selecionado por mim para este artiguinho é, como já dito, “Paris é Uma Festa”. Todavia citarei uma passagem de “O Sol Também se Levanta”: “Entrei para jantar. Para a França, era uma grande refeição, mas após a Espanha a comida parecia distribuída com parcimônia. Pedi uma garrafa de vinho. Seria uma boa companhia. Um Château-Margaux. Era agradável beber lentamente, saborear o vinho, beber sozinho. Uma garrafa de vinho é uma boa companhia”.

Vinhos, vinhos e mais vinhos…

Então são os brancos, os preferidos de Hemingway. Bem, o cabra bebia de tudo. Mas demonstrou apreço pelos brancos, como, por exemplo, o riesling feito pela cave de Hunawihr na Alsácia. É um vinho frutado, com um sabor seco, fresco.

Eis um outro trecho de “Paris é uma festa” em que o encontro do vinho branco com os frutos do mar é descrito de uma forma encantadora: “Um dos melhores lugares para comer goujon era um restaurante ao ar livre, que ficava para as bandas de cima do rio no Bas Meudon, onde costumávamos ir quando dispúnhamos de dinheiro para um passeio fora do nosso bairro. Chamava-se ‘La Pêche Miraculeuse’ e tinha um vinho branco excelente mais ou menos semelhante ao Muscadet. Era um sítio que se diria arrancado a uma história de Maupassant, com uma vista para o rio semelhante às que Sisley pintou”.

Não poderia, sob pena de parecer descaso, deixar de informar, com maior ênfase, ao leitor, sobre o amor do escritor pelo Château-Margaux de Bordeaux. Hemingway o amava tanto que apelidou sua primeira neta, Margot Hemingway, de Margaux.

Quem leu e, talvez, releia Ernest Hemingway, tem ciência de que o universo de personagens e cenários elaborados pelo escritor é, em diversas situações descritas, enevoado, cruel… Noutras, não obstante recusar-se à pieguice, é possível perceber uma elegante verdade, um descrever anatômico da alma dos seus “heróis” e heroínas”. As aspas chamam atenção para a ironia.

Ernest Hemingway voltará a Paris com sua nova esposa, Pauline. Mas descobrirá que, apesar da cidade se manter altiva como uma “amante experiente”, ele mesmo não se sente mais seduzido como antes. Alguns eventos agravaram esse afastamento, essa rejeição, como, por exemplo, o suicídio de amigos, companheiros das farras e das conversas sobre arte, literatura, história e política. Os pintores estavam passando por maiores dificuldades, ainda, já que não vendiam nem as poucas quantidades de quadros como antes.

E uma guerra, a Segunda Grande Guerra, se avizinhava. Havia o medo, o horror, pois, a Europa já havia experimentado um apocalipse entre 1914 e 1918. Nem todas as feridas haviam cicatrizado.

As bebidas, incluindo, evidentemente, o vinho, ajudavam um pouco a Hemingway no suportar a nova e terrível situação.

Hemingway reagia e resistia à sua maneira: mantinha uma voracidade extranatural, ao cultuar o comer, o beber, o brigar, o desafiar a morte.

Santé!

O post De escritos, frio e vinhos brancos – Ernest Hemingway em Paris apareceu primeiro em Só Sergipe.

Prof. Dr. Claudefranklin Monteiro Santos (*)

Natural do Brooklyn, Nova Iorque (EUA), aos 13 de maio de 1939, descendente de família polonesa judaica, Harvey Keitel está com 89 anos em plena forma. Teve uma infância formada por muita turbulência social, o que o fez ser alistado nas Forças Armadas Norte-Americanas na juventude, lutando numa guerra no Líbano, como fuzileiro naval.

Cumprindo seu “dever” com a pátria, retorna aos EUA para se dedicar ao cinema, iniciando nos anos 60 com filmes sem muita expressão, normalmente na condição de coadjuvante, até ter destaque no filme “Taxi Driver” (1976). Em “Cães de Aluguel” (1992), maduro, com 53 anos, sua carreira se consolidou em definitivo, sendo escalado, normalmente para filmes de ação e até mesmo algumas comédias, como no hilário “Little Nicky, Um Diabo Diferente” (2000), com Adam Sandler.

Versátil e talentoso, Harvey Keitel voltou a protagonizar um filme em 2021, com “Lansky, a História da Máfia”, dirigido por Eytan Rockaway. Com 82 anos, ele vive o papel de um dos maiores contraventores norte-americanos, Meyer Lansky. Um descendente de judeu, nascido no Império Russo no dia 4 de julho de 1902, que migrou para os Estados Unidos em 1911, se instalando na cidade de Nova Iorque, criando um dos mais rentáveis “negócios” de jogo de azar e outras contravenções.

Controverso e carismático, ao lado do parceiro de muitos anos, o mafioso temperamental, violento e assassino Charles Lucky, Lansky ascendeu vertiginosamente, expandindo seu “talento” para Cuba, no tempo de Fulgêncio Batista, quando a ilha se transformou num dos lugares mais concorridos para a prática de jogos, com hotéis de luxo e apostas altíssimas, movimentando a economia do lugar como nunca. Tudo “legalizado” pelo governo.

Foi um dos grandes responsáveis pelo que é hoje a cidade de Las Vegas e, mesmo às voltas com conivência do governo norte-americano com seus crimes fiscais e com a contravenção, Lansky sempre esteve às voltas com as forças policiais, mesmo sabendo que boa parte dela era corrupta.

“Lansky, a História da Máfia” explora exatamente isso, sobretudo a história (nunca comprovada) de que o mafioso guardou por anos uma fortuna em torno de 300 milhões de dólares, presumidamente, escondidos em contas fantasmas, sabe Deus onde. Para tanto, entra em cena o escritor David Stone, brilhantemente interpretado por Sam Worthington. Escalado para escrever uma biografia de Lansky, este se afeiçoa a Stone, abrindo seu coração e contando detalhes de sua trajetória como gangster e também dos seus dramas pessoais (expulso de casa pelo pai) e familiares (com a esposa esquizofrênica e o filho mais velho com uma doença incurável, degenerativa, e que casou dolorosos problema de locomoção e limitações diversas).

Aliás, o filme deixa a entender que o destino de sua fortuna ilegal e cobiçada pelas autoridades norte-americanas dos anos 80, teria sido utilizada para o tratamento do filho, complexo e muito caro, garantindo-se, se não uma vida, pelo menos o menor desconforto possível, daí essa pegada humanista que se é atribuída ao velho bandido, de coração partido pela dele, o drama da mulher e a não aceitação do Estado de Israel, de Golda Meir, Primeira Ministra entre 1969 e 1974, como repatriado judeu.

Lansky morreu vítima de câncer de pulmão, em 1983. Entre as grandes lições que aprendeu na longa vida (81 anos), uma serve para qualquer pessoa e tempo e só isso já valeu a sua existência, mesmo com todos seus crimes, defeitos e pecados: “quando se perde dinheiro, você não perde nada; quando se perde a saúde, perde um pouco; quando você perde seu caráter, você perde tudo”.

O post Lansky, o anjo sujo apareceu primeiro em Só Sergipe.

Depois do sucesso da campanha em 2023, que em três edições levou mais de 10 milhões de pessoas para a frente das telonas, é dada a largada para mais uma semana recheada de filmes pelo preço único de R$ 12,00. A primeira Semana do Cinema de 2024 acontece a partir da próxima quinta-feira (22) e segue até dia 28. A Cinemark é uma das redes exibidoras participantes e os complexos localizados nos shoppings Jardins e RioMar, em Aracaju (SE), estarão com ingressos promocionais e combos com pipoca e refrigerante também terão valores diferenciados. A ação é idealizada pela FENEEC (Federação Nacional das Empresas Exibidoras Cinematográficas), com apoio da ABRAPLEX (Associação Brasileira das Empresas Exibidoras Cinematográficas Operadoras de Multiplex).

Na programação, estão filmes que prometem agradar todos os tipos de públicos e idades, com longas nacionais e internacionais, como “Ferrari”, “Madame Teia”, “Bob Marley – One Love”, além da produção nacional “Nosso Lar 2”, a animação “O Menino e a Garça” e “Baghead”, para os fãs de filmes de terror.

A promoção é válida para todas as sessões nas salas tradicionais 2D. Em caso da compra dos ingressos ser realizada nos canais digitais da Rede, como site, app e ATMs, todos os clientes devem optar pela entrada promocional.

“Esta primeira edição de 2024 da Semana do Cinema, e a quarta desde o início da campanha, é o resultado de edições anteriores que foram um grande sucesso. Ao lado das outras redes exibidoras, a Cinemark promove novamente a magia do cinema e a experiência de assistir a um filme na tela grande. A nossa programação para esta semana conta com uma variedade de produções para os mais diversos tipos de públicos. Convidamos a todos para que possam viver este momento conosco mais uma vez”, comenta Vinicius Porto, Diretor de Marketing & Clientes da Cinemark.

Além disso, os combos com pipoca estarão com preços especiais. Na Rede, serão três opções, sendo eles: combo com pipoca refil e bebida grandes; duas pipocas médias, duas bebidas pequenas e dois brindes variados; e uma pipoca média, uma bebida pequena, um pacote de choco biscuit Bauducco e um brinde diverso. Já os membros dos programas Meu Cinemark, Cinemark Club e Club Black ainda ganharão um desconto exclusivo de 30% na compra do combo com balde refil de pipoca e duas bebidas grandes, como também no combo colecionador, que conta com pipoca grande refil, bebida grande, água e um brinde sortido.

“Em 2023 tivemos uma adesão muito importante e pretendemos repetir a dose ao longo deste ano. Essa é a quarta edição do evento que tem como foco principal celebrar a presença do público e democratizar ainda mais o acesso à magia que só a experiência cinematográfica proporciona. É a grande diversão dos brasileiros de todas as idades”, salienta Lúcio Otoni, presidente da FENEEC.

Um levantamento feito pela Agência Nacional de Cinema (Ancine) apontou que houve um aumento de 17% no número de pessoas nas salas em 2023, em comparação com 2022. Por isso, a iniciativa, que segue uma tendência mundial de promover, em clima de festa, a experiência cinematográfica, se torna ainda mais relevante. “Vamos celebrar a magia do cinema, movimentar as salas de todo o país e garantir ainda mais oportunidades de entretenimento para todos os brasileiros”, comemora Marcos Barros, presidente da ABRAPLEX.

O post Semana do Cinema: shoppings Jardins e RioMar terão sessões com ingressos a R$12 apareceu primeiro em Só Sergipe.

Por Luciano Correia (*)

Nos cinco anos em que pelejei com o mestrado e o doutorado, no Rio Grande do Sul, não li uma só linha que não fosse dos textos voltados para as demandas acadêmicas. Em compensação, esse período, que foi luminoso sob vários aspectos, me legou uma abertura para os livros, a leitura densa e intensa e a capacidade de dialogar com meus autores. Findas as tarefas, voltei para terrinha, para outros trabalhos que não só o acadêmico e, principalmente, para as leituras escolhidas sob um livre arbítrio. Vai daí que tenho lido muito, e pelas minhas mãos têm passado clássicos da literatura, outros nomes mais modernos nacionais e internacionais, além das publicações sobre os descaminhos desse nosso mundo virado.

Foi assim que, numa das leituras recentes, o autor da hora falou de Sobre a Tirania, de Timothy Snyder, um professor de história de Yale, nos Estados Unidos, sucesso editorial no mundo inteiro, certamente porque sabe dosar bem as ferramentas acadêmicas com a capacidade de falar para todos os públicos, com rigor e estilo. Snyder é um desses autores atuais que começaram a explicar o mundo pós-Muro de Berlim, após o marasmo em que mergulharam os teóricos e movimentos de esquerda desde que o chamado socialismo real se desmanchou no ar. É certo que demorou muito para essa nova safra de intelectuais começar a botar as manguinhas de fora, até porque a ressaca pós-comunista paralisou também o mundo das ideias, ao ponto de terem imaginado o próprio fim da História.

“Vinte lições…” não é dessas leituras metidas a impressionar com voz empostada. Pelo contrário, é tão despretensioso que se apresenta simples até na forma, um pequeno livro de bolso, com curtas e diretas lições para uma nova ética nesse complicado século 21, a partir da experiência de um turbulento século 20. Mas é profundo nos diagnósticos e preciso nos conselhos para construir valores comuns e universais nesses tempos que correm. Saio um pouco do texto para considerações paralelas sobre um dos melhores filmes da minha vida, Sunshine, O Despertar de um Século, de István Szabó, um estupendo diretor húngaro que se baseia no drama da própria família para contar a saga de três gerações, desde a aurora ao crepúsculo do século passado, sofrendo os horrores dos três elementos que ele considera as grandes tragédias dos anos de 1900: o fascismo, o nazismo e o comunismo.

O filme é um comovente depoimento do sofrimento das vítimas desses três regimes, contado sob os pontos de vista de três gerações que assistem à ascensão e derrocada desses totalitarismos marcados pela barbárie. Nesse aspecto, o livro de Snyder também percorre o século 20 desde o colapso da democracia na Europa nas décadas de 1920 e 1940 até a vitória de Donald Trump e o ressurgimento da extrema direita no mundo inteiro. As lições são apresentadas sem pompa nem delongas, como a primeira, que diz simplesmente: “Não obedeça de antemão”, onde o autor lembra que em grande parte o poder do autoritarismo é concedido voluntariamente. Abusando também da simplicidade, resumiria esse autor que vos escreve: o silêncio e a inércia são os melhores aliados da tirania. Ou buscando nas antigas lições do bom jornalismo: duvidar, duvidar sempre.

São questões distintas, mas que convergem para a construção da democracia como um valor universal, feita de contradições, turbulenta em si, instável, mas firme, inquebrantável e perene. Lições como a defesa das instituições, os riscos do partido único, a coragem para assumir responsabilidades para com o mundo, a ética profissional, a rejeição aos grupos paramilitares, a defesa da língua e da verdade sem adjetivos, a preservação da vida privada e o diálogo com gente de outros países. Recomenda ainda o cuidado com as chamadas “palavras perigosas”, a defesa da pátria, mas sem os pieguismos contaminantes, a adoção da política corpo a corpo e do diálogo sobre generalidades, cultivando relações amistosas.

Trata-se, pois, de um livro breve e de linguagem direta, que se lê num fôlego, mas a cujas páginas devemos voltar sempre para nos certificar do andamento das coisas, uma espécie de check list individual frente às boas causas, por mais que as “boas causas” sejam um conceito aberto, capaz de abranger subjetividades para os vários lados. Nesses tempos de polaridades emburrecidas e consensos estéreis pautando a grande mídia, vale muito passar pelas breves considerações de Timothy Snyder.

O post Vinte lições para o presente apareceu primeiro em Só Sergipe.

Que os Estados Unidos da América são dados a fazerem uso do cinema como uma eficiente propaganda de identidade nacional e até mesmo de imposição de sua pretensa cultura universalista, isso é fato. Por estes dias, por exemplo, vi o filme “Era uma Vez em… Hollywood” (2019), com Brad Pitt e Leonardo de Caprio, e me certifiquei ainda mais da presente assertiva, mote para a reflexão que pretendo fazer na presente crônica, tendo como tripé a escravidão, a secessão e a liberdade.

E, nesse sentido, não me vali, o que talvez fosse natural, da análise de “E o vento levou” (1939), ou mesmo de outros títulos e tempos, tais como: “Gettysburg – Anjos Assassinos” (1993); “Deuses e Generais (2003); “O Conspirador” (2011); “Lincoln” (2012); e “Um Estado de Liberdade” (2016). Preferi fazê-lo na perspectiva da participação do negro norte-americano na Guerra de Secessão (1861-1865), que teve como um de seus desdobramentos o fim da escravidão nos EUA, no dia primeiro de janeiro de 1863, pela chamada Lei de Emancipação dos Escravos, ratificada mais tarde pela 13ª Emenda Constitucional, em 1865.

É fato que, embora baseado em fatos reais, os três filmes aos quais me dediquei também sofrem distorções recorrentes da realidade histórica. Mas, em comum, neles pude observar a necessidade de pensarmos sobre o protagonismo no negro no conflito, para além de massa de manobra ou de uso em joguetes políticos e comerciais. São eles: “Tempo de Glória” (1989); “Herói da Liberdade” (2020); e “Harriet” (2019), este último o meu preferido.

Dos três, “Tempo de Glória” apresenta o melhor elenco de autores e atrizes por metro quadrado de set de filmagem, nada mais, nada menos que Denzel Washington (Oscar de Melhor Ator Coadjuvante, em 1990) e Morgan Freeman, só para citar os mais notáveis atores negros de todos os tempos, afora o protagonista, Matthew Broderick, que se tornou célebre pelo filme “Curtindo a vida adoidado” (1986). Dirigido por Edward M. Zwick, o filme conta a história da primeira unidade da Guerra de Secessão, composta por afrodescendentes, comandados pelo lendário coronel Robert Gould Shaw (1837-1863), morto com seus soldados na Batalha de Fort Wagner. Apesar do fim trágico, o episódio entrou para a história do conflito civil norte-americano pois transformou a “54ª. Massachusetts Volunteer Infantry” em exemplo de coragem e de determinação, inspirando a muitos, sobretudo a outros soldados negros.

“Herói da Liberdade”, juntamente com “Harriet”, é dessa nova leva de filmes sobre a Guerra de Secessão que procura dar visibilidade aos negros no conflito. Protagonizado pelo excelente ator, Dayo Okeniyi, conta a história do herói negro de guerra, Shields Green, o “Imperador”, e a sua luta não somente por liberdade, mas, sobretudo, para garantir dignidade ao futuro de seu filho, depois que este perde a mãe numa fuga das terras dos donos severos e inescrupulosos. É a estreia como diretor do cineasta Mohammed Mark Amin (iraniano-americano). Para o crítico de cinema Alexandre Guglielmelli, “Herói da Liberdade é uma épica história de superação e luta, perfeita para quem gosta de filmes inspirados em eventos reais”. Eu assino embaixo.

Por fim, “Harriet”. Um primor de filme, estrelado e protagonizado por Cynthia Onyedinmanasu Chinasaokwu Erivo, filha de pais nigerianos, natural da Inglaterra, que além de atriz é também cantora e compositora. Cynthia Erivo faz o papel de Harriet Tubman (cujo nome de batismo era Araminta “Minty” Ross, 1822-1913), abolicionista e ativista afrodescendente que marcou não somente a história da Guerra de Secessão, mas também história das causas sociais contra a escravidão e contra o racismo. Pelo papel, Erivo foi indicada ao Oscar de Melhor Atriz em 2020. “Harriet”, para mim, é um filme injustiçado pela Academia de Cinema. Sem exagero, o tempo dirá a sua devida importância enquanto produto cinematográfico, mas também enquanto um daqueles filmes que entra para história por sua força épica e pelas motivações políticas em seu entorno, que assim como os demais, lutam por restaurar a verdade na história da escravidão nos EUA, em particular na Guerra de Secessão, notadamente contada por brancos.

__________

(*) Professor doutor do Departamento de História da Universidade Federal de Sergipe.

O post Escravidão, secessão e liberdade apareceu primeiro em Só Sergipe.